Giverny News

De belles vivaces mauves forment la parure d'été de l'allée centrale du jardin de Monet.
Les plus hautes, les salicaires, aiment en général le bord de l'eau. Devant elles, les lychnis ou coquelourdes explosent de petites fleurs d'un rose intense qui contraste avec leur feuillage d'un gris duveteux. Au ras du sol, les capucines, ces jolies annuelles à feuilles rondes et fleurs orange, ont pris le départ de leur cent mètres à l'assaut des graviers.
Du temps de Monet, l'allée centrale de son jardin n'avait pas tout à fait l'aspect qu'on lui connaît aujourd'hui. Outre la présence de cyprès et d'épicéas de chaque côté, source de bien des disputes conjugales, on pouvait y voir aussi une large bordure formée d'iris. Seul l'intérieur de l'allée, juste sous les arbres, présentait des touffes de fleurs rose pâle.
Tous les visiteurs de Giverny peuvent s'en rendre compte cette année, s'ils vont voir l'exposition Monet au musée des Impressionnismes Giverny. Une des toiles, le jardin de l'artiste à Giverny représente la grande allée, et l'on y distingue très bien cette masse de différentes variétés d'iris.
L'effet était splendide. Alors, pourquoi ne pas avoir refait cette bordure à l'identique ?
C'est un regret qu'on a surtout à l'époque de la floraison des iris, au mois de mai. Car en ce moment où ils sont défleuris, revenus à la forme d'un poireau et en train d'être taillés courts, l'explication paraît évidente. Vous imaginez la grande allée bordée de moignons d'iris pendant tout l'été ?
Monet, qui était seul à profiter de son jardin et libre d'installer son chevalet où il voulait, pouvait se permettre un aspect rebutant par-ci par-là, ce qu'il vaut mieux éviter pour le public.
Aujourd'hui, on privilégie l'esprit plutôt que la lettre. La place dévolue aux iris a donc été réduite. Monet semble d'ailleurs avoir fait évoluer son jardin de la même façon. Dans des toiles ultérieures, on voit les vivaces mauves prendre beaucoup plus d'importance à l'ombre des épicéas.

Le jardin de Monet, les iris
Claude Monet, 1900, Paris musée d'Orsay, huile sur toile 81x 92 cm

Les Hémérocalles, Claude Monet, Musée Marmottan-Monet, Paris. Vers 1914-1917. Huile sur toile, 150x140cm

Les toiles tardives de Claude Monet conservées au musée Marmottan à Paris n'étaient pas destinées à être vendues.
Monet les a peintes pour se faire plaisir, si l'on peut dire, ou plutôt pour répondre à cette passion de la peinture qui l'animait depuis toujours.
Quand Monet s'enthousiasme, c'est une urgence de peindre qui lui fait saisir ses brosses et écraser les tubes de couleurs sur la palette.
On retrouve quelque chose de cet élan créateur dans les Hémérocalles, une toile d'assez grandes dimensions exécutée pendant la Première Guerre Mondiale. C'est une époque où Monet s'enferme dans son grand atelier et peint avec acharnement malgré le poids des ans, pour tâcher d'oublier l'angoisse de la guerre.
La composition des Hémérocalles est d'une grande simplicité. Une touffe d'hemerocallis orange se détache au bord du bassin, dont la rive parcourt le tableau en oblique, découpant deux zones de couleurs différentes. Pas de perspective, de point de fuite, juste un effet de plongée indiquant que les fleurs sont en contrebas du spectateur.
Toute la force du tableau vient de l'extraordinaire vigueur qui le parcourt. Les fleurs d'hémérocalles ne sont pas, comme au naturel, sagement découpées sur l'arrière-plan. Elles jaillissent en éruption volcanique, taches incandescentes projetées au-dessus de la masse des feuilles. Des feuilles qui semblent douées de vie, prêtes à sortir du cadre pour venir danser sur le parquet du Musée des Impressionnismes Giverny, où la toile est exposée jusqu'au 15 août.
Tout tourbillonne, des coups de pinceau bleus s'enroulent sur l'or du bassin. De quoi s'agit-il, de reflets du ciel, du vent ? Ou juste de la matérialisation de l'incroyable énergie de celui qui se voit comme un vieillard aux forces faiblissantes ?

Aimez-vous les agapanthes ? C'est la question que je ne peux m'empêcher de poser ces temps-ci à tous les visiteurs que je guide dans les jardins de Monet, histoire de leur rappeler discrètement le nom de la fleur et d'attirer leur attention sur ce massif spectaculaire.
En ce moment les agapanthes du jardin d'eau sont magnifiques. Leurs têtes bleues s'élèvent haut, à plus d'un mètre du sol, mais loin d'être altières elles se penchent pour faire la causette aux roses.
L'harmonie entre ce bleu et ce rose d'une égale douceur est à tomber par terre.
L'agapanthe sous nos climats n'est pas une fleur banale. Elle a quelque chose de sophistiqué qui fait qu'on la remarque, avec sa façon de monter monter pour finir par exploser en un petit feu d'artifice. Oh la belle bleue !
Si l'agapanthe joue les stars chez nous, il n'en va pas ainsi partout. Chaque fois que j'ai des clients australiens ou néo-zélandais, ils me le confirment : là-bas les agapanthes poussent comme du chiendent. "On les considère comme des mauvaises herbes !"
Elles envahissent les talus, les bords de route, les terrains les plus ingrats. L'agapanthe est la valériane des terres australes, semble-t-il.
Je me demande quel effet cela doit faire de se balader de l'autre côté de la planète, et qu'on vous montre fièrement, disons, un massif de pissenlits ?

Claude Monet, Nymphéas et agapanthes, 1914-1917, 140 x 120 cm, musée Marmottan, Paris

C'est l'une des plus belles plantes à bulbe actuellement en floraison dans les jardins de Claude Monet à Giverny. Tout en haut d'une tige interminable qui peut atteindre soixante centimètres, une couronne de clochettes est accrochée sous une touffe de fines feuilles en bataille. Ces campaniles hirsutes se nomment des fritillaires.
Chez Monet les fritillaires sont associées à toutes sortes de fleurs jaunes, des tulipes couleur citron, des jacinthes d'un jaune crémeux, des pensées, des giroflées...
Il paraît que les fritillaires se ressèment toutes seules quand elles se plaisent dans un jardin, mais le plus souvent elles tirent leur révérence au bout de quelques années, et il ne reste plus qu'à racheter des bulbes. On peut en profiter pour essayer une autre couleur, selon que l'on a déjà goûté du jaune bouton d'or ou de l'orange fumé.
Les fritillaires ont quelque chose de rare et de spectaculaire qui étonne. Pourquoi sont-elles si peu connues du grand public ? Elles ne sont pas une découverte récente des horticulteurs. Voilà bien longtemps qu'elles ont été introduites de Turquie.
Vincent van Gogh déjà leur a consacré un tableau, Fritillaires dans un vase en cuivre daté de 1886.
D'un vase rayonnant comme un soleil, un bouquet de fritillaires semble jaillir. Les corolles orangées se détachent sur le fond moucheté de petits points bleus, la couleur complémentaire.

S'il est une plante fleurie qui accompagne traditionnellement les fêtes de Noël, c'est bien le poinsettia. Avec ses bractées rouges en forme d'étoile, il est tout indiqué pour cette période de l'année.
Dans son milieu naturel, au Mexique, le poinsettia atteint les trois mètres de haut. Les spécimens que nous trouvons chez les fleuristes sont des sortes de bonsaïs, des plantes sélectionnées pour leur caractère nain.
On peut espérer jusqu'à quatre mois de floraison si la plante se plaît, c'est-à-dire si elle a assez de lumière, pas trop d'eau, une température constante et pas de courant d'air. Mais il est difficile de faire refleurir un poinsettia, qui réclame pour cela des nuits vraiment noires, et à moins d'être très motivé, il faut se résoudre à en changer tous les ans. Cela permet de varier les couleurs, qui vont du rouge au crème et au rosé.
Le jardin botanique de Montréal propose un site entier consacré au poinsettia, où l'on apprend que le nom de la plante vient de celui de l'ambassadeur des États-Unis, le Dr. Joel Roberts Poinsett, dans la nouvelle République du Mexique, en 1825. Collectionneur de plantes, il a fait connaître celle-ci aux Etats-Unis. Au départ, elle perdait toutes ses feuilles vertes au moment de la floraison, mais elle a été améliorée depuis. Toutefois, dans les conditions extrêmes des appartements contemporains, il n'est pas impossible de renouer avec cette caractéristique historique...

Un massif de fleurs vu presque à la verticale, sans référence à ses limites : on a l'impression que le tableau Chrysanthèmes de Monet n'a ni haut ni bas.
Monet s'est attaché à rendre la vibration lumineuse des fleurs sans rechercher la netteté des formes.
Ce tableau s'éloigne de l'aspect figuratif et annonce l'abstraction.
Les grosses têtes colorées des chrysanthèmes sont prétexte à représenter des masses de couleurs chaudes, jaunes, blanc-rosé, rouges, tranchant sur un fond froid vert-bleu.
Elles semblent flotter à la surface de ce bleu, préfigurant les Nymphéas à la surface du bassin.
A l'automne 1897, ou peut-être dès 1896, Monet peint quatre toiles de belle taille (celle-ci mesure 79x119 cm) sur ce même motif de massif de chrysanthèmes. Les premiers Nymphéas datent aussi de 1897, ils sont catalogués juste après.

"Gauguin me disait l'autre jour qu'il avait vu de Claude Monet un tableau de tournesols dans un grand vase japonais très beau, mais - il aime mieux les miens. Je ne suis pas de cet avis."

Cette confidence poignante, Vincent Van Gogh la fait à son frère Théo. On est saisi par l'extrême modestie et le doute qu'elle exprime. Van Gogh avait-il vu le Bouquet de soleils dans un vase peint sept ans plus tôt par Monet ? Ou n'est-il "pas de cet avis" simplement parce qu'il admire Monet et qu'il n'est pas satisfait de sa propre peinture ?
On aimerait savoir ce que Monet pensait des Tournesols de van Gogh, s'il les connaissait, et des siens. Etait-il lui aussi plein de doutes, comme c'était souvent le cas ?

Coïncidence étonnante : deux peintres géniaux choisissent par hasard le même sujet de nature morte, un bouquet de tournesols dans un vase.
D'emblée, ils sont confrontés à la même difficulté bien connue des maîtresses de maison : trouver un grand vase. Van Gogh opte pour une poterie rustique vernie dans le même ton jaune que la couleur des fleurs. Monet choisit un vase de couleur complémentaire, en porcelaine bleue.
Nos peintres préparent maintenant leur bouquet. Les fleurs sont difficiles à arranger. Chez van Gogh comme chez Monet, elles ont l'air de n'en faire qu'à leur tête, surgissant dans tous les sens, à toutes les hauteurs.
Et puis les deux artistes préparent leur palette, leurs brosses, et se lancent, chacun avec son style propre. Van Gogh se passionne pour son sujet, qu'il traite de nombreuses fois, en série. Ce seront des chefs-d'oeuvre. Monet abandonne le motif du bouquet de soleils après ce tableau, qui ne marquera pas la postérité.
Tout comme van Gogh, Claude Monet aimait beaucoup les tournesols, fleurs géantes d'un jaune éclatant. On se souvient de l'escalier à travers les soleils dans Le Jardin de l'artiste à Vétheuil, au millieu desquels son fils paraît encore plus petit.
Monet a des tournesols plein son jardin, le choix de ce motif de bouquet, peint peut-être un jour de pluie, n'a rien d'étonnant.
Des tournesols épanouis, Monet fait des zones vibrantes, des capteurs solaires. Touche douce et caressante, fond travaillé de rose, de mauve, de violet : malgré les couleurs vives des fleurs jaunes, des feuilles vertes, de la nappe rouge, l'ensemble exhale une beauté comme féminine. C'est le côté yin des tournesols, qui s'exprime dans un tableau à l'ambition avant tout décorative.
La comparaison avec Douze Tournesols dans un vase de van Gogh (Munich) révèle le côté yang du sujet. La vigueur du dessin, les contours nets, expriment la force. Le nombre réduit de couleurs crée une harmonie chromatique et fait ressortir les fleurs sur le fond bleu pâle. Mais derrière cette harmonie de la couleur, le tableau offre tout autre chose que l'aimable bouquet de fleurs de Monet.
Des têtes échevelées et barbues, un oeil, une bouche, des coeurs : les Tournesols de van Gogh interpellent le spectateur comme des représentations humaines.
Le peintre a composé son bouquet avec des fleurs à tous les stades de leur évolution : en bouton, épanouie, fânée, en graines... Chacun peut y voir une image de la vie qui passe, et c'est sans doute ce qui nous touche dans ce tableau, et peut-être nous met un peu mal à l'aise. Vincent pousse un cri de révolte face à la condition humaine, Monet veut oublier le temps qui s'écoule.

Des clématites blanches qui semblent courir sur le sol : voici l'un des deux tableaux de clématites peints par Claude Monet en 1887. Les fleurs occupent presque toute la toile. Certaines sont coupées par les bords du tableau, dans un cadrage de style photographique. Le sujet est traité davantage en paysage qu'en nature morte.
De grandes dimensions (65 x 100 cm), cette oeuvre fait partie de la très importante collection de la galerie Wildenstein, (du nom du biographe de Monet, Daniel Wildenstein) qui compte plus de 200 tableaux de Monet. C'est plus que n'importe quel musée, mais beaucoup moins que la collection Durand-Ruel, qui rassemble à elle seule près de la moitié des Monet du monde entier. On peut juger par là de l'énorme soutien que son marchand a apporté à Claude Monet, achetant beaucoup plus de toiles qu'il ne pouvait en écouler.

Les iris jaunes fleurissent au bord du bassin aux nymphéas du jardin de Monet. Aujourd'hui, ce sont des fleurs cultivées. Mais du temps de Monet, les iris jaunes sauvages abondaient dans les marais de Giverny.
En 1887, Monet a peint trois tableaux représentant le même sujet, une prairie humide couverte d'iris : Champ d'iris jaunes à Giverny (w1137), Champ d'iris à Giverny (w1138) et Champ d'iris au matin (w1139). La floraison printanière des iris a très certainement contribué à l'ensorcellement que Giverny a exercé sur le peintre dès son arrivée.
Pendant la Première Guerre Mondiale, Monet a repris ce sujet ancien, mais cette fois dans son jardin d'eau. Toute une série d'études mettent les iris en scène. Trois portent le même titre : Iris jaunes (w1824, w1826 ci-dessous, w1834).
Monet sans doute déjà atteint des premiers symptômes de la cataracte assouplit toutes les lignes droites en une série d'étonnantes flammes vertes. Les Iris jaunes au nuage rose (w1835) ne sont pas moins surprenants, avec leurs formes tourmentées et leur jaune vif qui se détache sur un fond rose et mauve. Le dessin et les couleurs osées font penser à van Gogh.
Les iris jaunes ont aussi séduit des artistes de la colonie américaine de Giverny, à commencer par Breck, le soupirant de Blanche Hoschedé. Il a peint en 1888 Fleur-de-Lis jaune, qui représente en gros plan une touffe d'iris, dans un style proche de l'impressionnisme. Le titre n'est pas une confusion botanique d'anglophone, mais tout au contraire la marque de la culture de Breck, qui savait que l'iris jaune a servi de modèle au lys de France, symbole de la royauté.

Depuis quelques jours les tulipes sont en pleine floraison à Giverny. C'est une fleur que Monet aimait beaucoup, propre aux effets de couleurs.
En Hollande, Monet a planté son chevalet devant les champs de tulipes en fleur. Les bandes rouges, blanches, jaunes, fuient jusqu'à l'horizon dans ses tableaux de 1886. Mais quand il peint "trois pots de tulipes" en 1885 (collection particulière), il n'a pas encore vu les Pays Bas au printemps. Il n'a pas encore transformé radicalement son verger normand en un jardin croulant de fleurs. Il cultive des tulipes en pot, peut-être pour les forcer. Ou peut-être simplement pour avoir un sujet sous la main les jours de pluie.
Les tulipes de Monet ont des grâces féminines. Elles prennent la pose, leurs feuilles dressées comme des bras. Celle du milieu a une tête ébouriffée de rousse. Les deux de gauche ont l'air de se chuchoter quelque chose à l'oreille. De quelles variétés peut-il bien s'agir ?
La floriculture a fait de tels progrès que les tulipes telles qu'elles existaient à l'époque de Monet ont presque disparu. Il y a deux ans, les bulbiculteurs hollandais ont fait un précieux cadeau à la Fondation Monet. Ils ont offert au musée de Giverny quelques bulbes de tulipes anciennes. Pour les mettre en valeur, ces raretés sont cultivées en pot, près de la maison du maître.