Giverny News

Dans son catalogue raisonné de l'oeuvre de Monet, Daniel Wildenstein a recensé environ 2000 tableaux, tous des huiles sur toile : le dernier porte le numéro 1981, mais les Grandes Décorations de l'Orangerie, ces panneaux immenses, hors normes, ne sont pas comptés dans la numérotation.
Le catalogue ne tient pas compte des dessins, pastels, esquisses, rarement signés, et dont beaucoup ont par conséquent été perdus.
Sur ces 2000 toiles, Giverny s'impose comme le sujet de prédilection de Claude Monet. Rien de plus naturel au regard des 43 ans qu'il y a passés, la moitié de sa vie.
Claude Monet a peint son jardin d'eau 272 fois, son jardin fleuri 52 fois, soit un total de 324 vues prises dans son jardin.
Peintre du plein air, Monet n'a représenté sa maison que de l'extérieur, en arrière-plan du jardin fleuri, mais jamais en scène d'intérieur comme il l'avait fait ailleurs au début de sa carrière.
Le peintre est aussi allé peindre aux alentours de chez lui, ce qui s'est concrétisé par 238 vues de Giverny, coquelicots, bords de l'Epte, meules, marais, peupliers, prairies, routes, vergers, Seine, etc. Le village en lui-même paraît comparativement sous représenté, seulement 16 fois.
Avec 4 occurences, l'église n'a guère inspiré Monet, contrairement à celles de Vétheuil, de Vernon ou à la cathédrale de Rouen.

Il fut un temps où les Monet ne s'adjugeaient pas sous le marteau des commissaires - priseurs après d'haletantes ventes aux enchères, mais où ils s'offraient tout bonnement à la convoitise des collectionneurs.
Imaginez par exemple que vous vivez en 1891 à Boston, vous êtes amateur d'art, vous vous appelez Desmond Fitzgerald, et voilà que le 7 avril vous découvrez ce Monet-ci à la galerie J. Eastman Chase.
Je peux vous dire ce qui vous arrive : votre coeur s'emballe, et vous ne rêvez que d'une chose, c'est que votre cousin se porte acquéreur du tableau.
Pourquoi ? Je ne lis pas dans vos pensées à ce point là. Votre cousin John Nicholas Brown vous a peut-être demandé de le conseiller pour se constituer une collection ? Ou est-il plus fortuné que vous ? En tout cas, après avoir beaucoup admiré le Champ d'avoine, vous foncez au bureau des télégrammes et vous cablez ce mot enthousiaste à votre cousin qui habite Providence :

Le plus magnifique Monet vient d'arriver. Vous et votre mère l'admirerez. Il m'est réservé jusqu'à demain midi. Quinze cents $. Je vous supplie de dire oui, vous ne le regretterez jamais. Répondez oui ou non ce soir si possible.

Vous êtes sur des charbons ardents tout le reste de la journée. Enfin, à 8 heures du soir, vous retournez à la Western Union Telegraph Company juste à l'instant où le bureau va fermer, et, quel bonheur, le télégramme d'acceptation de votre cousin arrive à cet instant.
Ensuite, vous rentrez chez vous et, après dîner, vous reprenez la plume pour être un peu plus précis. Il s'agit de rassurer votre correspondant qui achète sans avoir vu.

Le tableau pourrait être vendu, si tu décides de ne pas le garder, mais il est d'une beauté surprenante et de la meilleure qualité - signé et daté 1890. Il a la même taille (N.D.L.R. : 50x76 cm) que ma Scène d'automne dans la bibliothèque - un peu plus grand que le tableau d'Antibes que tu as vu chez moi. Il est (...) arrivé de Paris cet après-midi. Nous ne sommes que quelques-uns à l'avoir vu.(...) C'est le tableau de Monet le plus complet que j'ai jamais vu, un chef d'oeuvre. C'est un champ de blé et de coquelicots avec quelques arbres, semblable à celui que toi et H aimiez mais bien bien meilleur à tous égards. Tu ferais bien de descendre pour le voir tout de suite. Mais il est impossible de te donner une idée de sa finesse et de sa beauté. C'est un jour chaud et vaporeux de plein été.

Et pour mieux vous faire comprendre vous griffonnez un petit dessin de la composition du tableau. Enfin, après avoir signé, vous rajoutez encore ce post-scriptum :

C'est une belle composition autant qu'une belle image. C'est le meilleur que j'ai jamais vu. Il vaudra plus de 10.000 dollars un jour.

Vous avez le goût sûr : votre cousin n'est pas déçu de son acquisition. Il l'aime tellement qu'il garde le tableau toute sa vie, et ses héritiers, tout aussi séduits, ne s'en séparent pas davantage.

On possède quelques détails sur la création de cette oeuvre. Daniel Wildenstein a déterminé qu'elle a été peinte "sur le plateau au nord du val de Giverny, à l'orée des bois de la Réserve et du Gros-Chêne, en regardant ver l'est." Elle fait partie d'une mini série de quatre toiles peintes au même endroit pendant l'été 1890, quand, après une longue période de mauvais temps, Monet retrouve enfin la possibilité de travailler sur le motif, en plein air. Quant à savoir s'il s'agit d'avoine ou de blé, il faut un oeil d'expert pour faire la différence !

Plus grand, toujours plus grand : parvenu à la maturité de son art, à l'heure ou d'autres prennent leur retraite, Monet ose une oeuvre démesurée. Le projet n'est pas né de la veille. Dès 1897, à 57 ans, il envisage de créer une décoration de salon sur le thème des Nymphéas. Le critique Roger Marx rapporte ainsi ce que lui aurait dit Monet :

"Un moment, la tentation m'est venue d'employer à la décoration d'un salon ce thème des nymphéas : transporté le long des murs, enveloppant toutes les parois de son unité, il aurait procuré l'illusion d'un tout sans fin, d'une onde sans horizon et sans rivage ; les nerfs surmenés par le travail se seraient détendus là, selon l'exemple reposant de ces eaux stagnantes, et, à qui l'eût habitée, cette pièce aurait offert l'asile d'une méditation paisible au centre d'un aquarium fleuri."

On voit que le stress préoccupait déjà beaucoup les contemporains de Monet ! Le projet reste en suspens quelques années encore. C'est surtout pendant la guerre de 1914-1918 que Monet, septuagénaire, se lance dans la création de ses grands panneaux.
Les Grandes Décorations installées depuis 1926 au musée de l'Orangerie s'étendent sur 91 mètres de long, par deux mètres de haut. Sachant qu'on a relevé 15 000 coups de pinceaux dans un tableau de pont japonais d'un mètre de côté, calculez l'acharnement nécessaire à parvenir au bout de cette oeuvre testamentaire...
"C'est au-delà de mes forces de vieillard", se plaint Monet. Et pourtant il peint, debout, dans l'atelier géant qu'il a fait construire tout exprès à Giverny. Il ne sait pas encore ce que vont devenir ses toiles : son ami Georges Clemenceau, président du Conseil, va le convaincre en 1918 d'en faire don à l'Etat.
Il peint, mais il y voit de moins en moins. Presque aveugle, la vision des couleurs affectée par la cataracte, il peint toujours, au risque de gâcher irrémédiablement des années d'effort. Ce n'est qu'en 1923 qu'il finit par se laisser convaincre par Clemenceau et subit une opération de l'oeil. Il met près d'un an à retrouver une vue satisfaisante.
Devant les panneaux qui s'étendent tout autour des deux salles ovales du musée de l'Orangerie, l'énigme de leur création par un vieil homme à la vision diminuée ne trouve pas de réponse. Mais si le visiteur se laisse hypnotiser par leur profondeur secrète, happer par la dissolution des formes, enchanter par cet hymne à la beauté du monde, il peut y approcher l'expérience voulue par Monet de ne faire qu'un avec un tout sans fin.

On sait tout de ces galettes : le nom et le visage de celui qui les a cuisinées, de son épouse, et même de leur chien !
De février à avril 1882, Monet séjourne à Pourville, sur les côtes de la Manche, non loin de Dieppe. Il loge dans le modeste hôtel - restaurant - casino du village balnéaire.
L'établissement s'appelle "A la Renommée des Bonnes Galettes". Il est tenu par Paul Antoine Graff. Ce chef né en Alsace a peut-être émigré en Normandie après la défaite de 1871, qui donne l'Alsace à l'Allemagne.
Monet n'a pas un sou. En cette saison hivernale, il est le seul pensionnaire de l'hôtel. L'hébergement ne coûte que 6 francs par jour, contre 20 francs dans un hôtel de Dieppe, mais comment payer ?
Les Graff sont de braves gens, ils acceptent de se laisser peindre par Monet en échange de sa pension. Le peintre exécute deux grands portraits, l'un du Père Paul, l'autre de la Mère Paul en compagnie de sa petite chienne griffon Follette ; enfin, ce sont les galettes que le peintre croque sur la toile.
Deux belles galettes dorées à souhait refroidissent sur des claies d'osier. On les devine riches en beurre, car c'est comme ça qu'on l'aime, comme dit la chanson. Des coups de couteau rayonnants tracés dans la pâte leurs donnent l'aspect de deux grosses fleurs.
Les galettes sont disposées sur une table recouverte d'une nappe blanche. A côté, une carafe qui contient peut-être du cidre, de la couleur exacte des galettes. De l'autre côté, un couteau.
C'est ce couteau noir, à la lame effilée, qui dérange. Tout est doux dans le tableau, les formes arrondies, les teintes lumineuses et dorées, sauf ce terrible couteau pointu.
Au lieu d'être posé sur le bord d'une galette, comme une invitation à la couper, le couteau pointe vers le spectateur. Vers le peintre. Vers sa signature.
Dès lors, on peut s'interroger sur la composition de l'oeuvre. Monet cadre serré, coupant même le haut de la carafe. La scène en acquiert une indéniable intensité dramatique.
Quelques précisions biographiques peuvent contribuer à une interprétation symbolique du tableau. Au moment où Monet peint les Galettes, il se trouve seul sur la côte normande. Alice, qui est encore la femme d'Ernest Hoschedé, est restée seule à Poissy avec les huit enfants : les deux fils de Monet et Camille et les six enfants qu'elle a eus avec Ernest.
La toile devient le champ de projection des conflits qui déchirent Monet. Il aime Alice, mais il en est séparé. A Poissy, ils logent ensemble, mais il l'appelle Madame. Un parfum de scandale flotte depuis le décès de Camille et le départ d'Ernest. Et si Alice venait à renoncer à vivre avec lui ? Et si elle retournait auprès d'Ernest ?

"J'étais sous le coup de vos mauvaises nouvelles du matin... j'ai eu une terrible angoisse", écrit-il à Alice le 18 mars.

Le couple de galettes semble représenter le sien. Le couteau, c'est cette menace qui pèse sur son coeur, et qui pourrait bien le briser.
Monet, comme la carafe, en perd la tête. Comme elle, si près du bord de la table, il semble happé par la dangereuse proximité des falaises.

En 1908, voilà déjà cinq ans que Claude Monet ne peint plus que des Nymphéas, ces nénuphars qui ornent le bassin de son jardin à Giverny. Cinq ans de recherches, enfermé dans son jardin, à étudier inlassablement le même motif.

La vision paysagiste a progressivement disparu, en même temps que la représentation des berges ou de branches. Monet se laisse hypnotiser par l'eau, les arbres et les nuages qui s'y reflètent, les fleurs qui flottent.
C'est ainsi qu'il lui vient un jour l'envie d'essayer un format circulaire, qu'on appelle un tondo. Inscrit dans une forme ronde, le bassin y devient une sorte d'évocation d'un monde clos, d'un univers sans limite.

Vernon partage avec Saint-Etienne et Houston le privilège de posséder un de ces rares tondos.
La photo ne rend pas souvent justice aux Monet, et la reproduction ci-contre ne donne qu'une pâle idée de la délicatesse exquise des coloris de celui, sobrement intitulé Nymphéas, qui se trouve au musée A.G. Poulain à Vernon. D'assez grande taille (90 cm de diamètre) il permet effectivement au regard de se perdre dans les mirages de l'étang.
C'est Monet lui-même qui en a fait don à la ville, un an avant sa mort, en 1925.
Auparavant, le tableau a été prêté pendant trois ans à la manufacture des Gobelins, à Paris, pour qu'il en soit fait une tapisserie. Le directeur de la célèbre manufacture n'était alors autre que Gustave Geffroy, critique d'art et ami de longue date de Monet.
Dans la correspondance vendue aux enchères la semaine dernière, plusieurs lettres de Geffroy évoquent ce projet. En 1906, il explique qu'il a accepté la direction des Gobelins pour de multiples raisons, notamment l'envie de faire exécuter un Monet en tapisserie. L'idée viendrait de Monet lui-même :

"Vous souvenez-vous du désir que vous m'exprimiez il y a environ deux ans de voir exécuté en tapisserie votre Jardin d'Eau. C'est par cela que je veux commencer. Cela seul suffirait à marquer mon passage".

En 1907, Geffroy relance Monet :

" Nous voici en juin - c'est le moment où vous devez résumer pour les Gobelins, en un tapis qui sera une date dans l'histoire de la manufacture (ne dites pas non) la poésie du ciel, de l'eau et des fleurs."

"Ne dites pas non" se réfère à l'éloge, non au projet lui-même. En 1908, celui-ci connaît quelques retards, mais un an plus tard, Monet envoie plusieurs toiles, dont le tondo que Geffroy trouve "admirable d'atmosphère molle et bleue d'un jour d'été". Il le fera interpréter en Savonnerie, comme deux autres oeuvres de Monet.

La ville de Vernon a choisi cette année ce joyau des collections du musée municipal pour illustrer sa carte de voeux. Est-ce un hasard ? Le format de la carte découpée est le même que celui suggéré par Geffroy à Monet dans une lettre où, dessin à l'appui, il lui explique comment il pourrait faire monter la tapisserie "en écran".

J'ai eu un coup de coeur pour cette magnifique copie du jardin aux Iris, Giverny de Monet, que m'envoie Karin.
Karin était attirée par ce tableau, vu dans un livre de jardinage, pour améliorer la souplesse de sa touche, "libérer ses coups de pinceau".
Après avoir localisé l'oeuvre par internet, elle a écrit à son propriétaire, l'université de Yale, aux Etats-Unis, qui a eu l'amabilité de lui envoyer une bonne copie numérique.
La photo lui a permis de voir le détail des coups de pinceaux. Mais surprise : les couleurs de l'image officielle ne correspondent pas aux autres reproductions qu'on peut en trouver dans les livres ou sur le net. Les tons en sont plus doux, moins contrastés, moins brillants. Il a donc fallu faire un choix, opter pour une gamme de coloris plutôt qu'une autre, sans avoir la possibilité de comparer avec l'original.
"Au fur et à mesure que je travaillais sur mon tableau, mon admiration pour Monet et ses coup de pinceaux cassés ou rompus augmentait", raconte Karin. Copier une oeuvre permet de percevoir chaque détail d'un tableau et de s'approcher de la technique d'un maître, tout en sachant que celle de Monet est particulièrement difficile à imiter, avec sa touche vibrante.
Karin, qui est d'une extrême modestie, trouve beaucoup de défauts à son tableau, notamment le manque de matière (Monet empâtait souvent les siens), et estime qu'elle a fait une "très pâle copie", certes ressemblante, mais très éloignée de l'original. Soyez gentils, laissez-lui un commentaire pour lui dire ce que vous pensez de son travail.

Une oeuvre qui fait date dans l'histoire de la peinture, et qui n'a pourtant demandé à Claude Monet que quelques heures de travail !
Cette toile est présentée pour la première fois au public lors de l'exposition de la "société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs", en 1874. Ce groupe de trente artistes qui pour la plupart ne partagent pas les conceptions conventionnelles du jury du Salon officiel a décidé de monter sa propre exposition dans les salons du photographe Nadar, 35, boulevard des Capucines à Paris.

La toile, de dimensions moyennes (48x63 cm) est datée 72, mais elle a certainement été signée et datée après coup, au moment de sa vente. Selon les auteurs, elle aurait été peinte en 73 ou en 74, peut-être en janvier 1874 lors d'un séjour que l'artiste fait au Havre, la ville où il a passé ses jeunes années.
Monet loge dans un hôtel qui donne sur un bassin de l'avant-port, l'hôtel de l'Amirauté. "Qu'est-il venu faire au Havre ?" s'interroge Marianne Alphant. "Son père et sa tante sont morts, son frère habite Rouen". Mais il a en tête de refaire des marines. C'est tout naturellement qu'il revient vers des lieux qu'il connaît bien.

La toile a été peinte en une seule séance. On imagine Monet debout au petit matin, fasciné par le spectacle de l'aurore, se saisir de ses tubes et de ses brosses pour jeter sur la toile les couleurs qu'il aperçoit à travers la fenêtre. Peut-être qu'il s'interrompt de temps en temps, et que d'un geste vif il essuie la condensation déposée sur la vitre.
Les couleurs traduisent cet éclairage éphémère du lever du soleil, quand les nuages, les brumes, les vapeurs diffuses, les reflets de l'eau se chargent d'une luminosité rosée.
Au premier plan, occupant la moitié de la toile, une vaste étendue d'eau bleu-rose, évoquée à grands traits, et mouchetée de petits touches horizontales d'un bleu soutenu, comme autant de vaguelettes. A l'arrière plan, on devine des silhouettes de grues sur des docks, de grands voiliers à quai, de cheminées d'usines.
Trois accents tranchent sur les surfaces douces, quasi aquarellées du paysage : le soleil qui se lève, orange, fortement coloré mais d'une intensité lumineuse moyenne, avec son reflet qui l'accompagne comme une traîne, et les deux bateaux à contre-jour, sihouettes noires en ombres chinoises.
On retrouve ici plusieurs thèmes chers à Monet : l'illustration de l'essor industriel du 19e siècle, la représentation de l'eau, l'inscription de la silhouette humaine dans le paysage.
Mais surtout, le tableau exprime pleinement la recherche essentielle de Monet : le rendu de l'instant, la perception lumineuse de l'atmosphère qui entoure les choses.

On perçoit tout l'aspect révolutionnaire de la peinture de Monet si on la compare avec une scène similaire peinte quelques années plus tard par son maître Eugène Boudin, qui ne passait pourtant pas pour avoir un style rétrograde !
Plus tard, Claude Monet se souviendra de sa première exposition chez Nadar et fera cette confidence à Maurice Guillemot, journaliste de la Revue illustrée : "Le paysage n'est qu'une impression, et instantanée... J'avais envoyé une chose faite au Havre, de ma fenêtre, du soleil dans la buée et au premier plan quelques mâts de navires pointant... On me demande le titre pour le catalogue, ça ne pouvait pas passer pour une vue du Havre, je répondis : "Mettez Impression".
Edmond Renoir, qui rédige le catalogue, complète par "soleil levant". Le titre est donné.
Monet n'est pas le premier à utiliser ce terme d'impression, mais son tableau va le populariser, grâce aux commentaires ironiques du critique d'art du Charivari. Louis Leroy, par raillerie, qualifie d'Impressionniste ce nouveau mouvement pictural. Le nom reste, mais devient un titre de noblesse.

Impression soleil levant va passer de main en main, de façon singulière. Après l'exposition, la pochade est vendue en 1874 au collectionneur Ernest Hoschedé, pour le prix conséquent de 800 francs. Monet ne sait pas encore qu'il aimera bientôt et épousera finalement Alice Hoschedé, la femme d'Ernest.
Quand Hoschedé fait faillite, sa collection est dispersée lors d'une vente. Pour Impression, les enchères ne dépassent pas 210 francs. L'acheteur est de Bellio, qui la revend ensuite à Donop de Monchy, son dernier propriétaire privé. En 1957, Impression, soleil levant est léguée à l'académie des Beaux-Arts et conservée à Marmottan. C'est là qu'elle se fait dérober en 1985 ! Heureusement, on la récupère cinq ans plus tard, et on peut toujours l'admirer dans le musée parisien.

Le paysage n'a presque pas changé depuis que Monet l'a peint en 1894 : à Vernon, l'église gothique plonge toujours son reflet dans les eaux de la Seine, à l'arrière-plan de quais paisibles qui s'évanouissent dans la brume.
Avec ce motif quotidiennement sous les yeux, j'ai une tendresse particulière pour une petite série de Monet qui le représente. Elle est loin d'être aussi célèbre que les cathédrales de Rouen, les Meules ou les Peupliers. Il s'agit des vues de l' église de Vernon prises depuis la rive droite de la Seine.
Monet explore des dégradés de couleurs, des touches fondues qui évoquent le brouillard ou le plein soleil, la composition en bandes horizontales autour d'un axe de symétrie qui coupe le tableau en deux...
A comparer avec une photo de l'église de Vernon vue du même endroit aujourd'hui.

Au printemps 1872, Monet peint deux toiles du même endroit de son jardin, à Argenteuil. L'une est exécutée par beau temps, l'autre alors que le ciel est couvert.
C'est la toute première, et la plus courte des séries de Monet : deux tableaux seulement ! Non, bien sûr, on ne peut pas encore parler de série. Monet ne va systématiser le processus que dix ans plus tard. Mais déjà il cherche à rendre les variations de la lumière en un même point.
Variations sommaires : Monet raconte qu'au début de sa carrière, il pensait qu'il suffisait de deux toiles, l'une au soleil, l'autre par temps gris, et voilà tout. C'est le cas de figure des Lilas.
Peu à peu il s'aperçoit qu'entre ces deux extrêmes il existe une infinité de variations. Il s'acharne, peint jusqu'à quarante fois le même motif à Londres.
En 1872, il n'en est pas encore là et se contente d'une paire. Les deux toiles d'Argenteuil ont malheureusement été séparées. Lilas au soleil est conservé au musée Pouchkine de Moscou, l'autre tableau de cette paire, Lilas, Temps gris se trouve au musée d'Orsay à Paris.

Des scientifiques anglais se penchent sur les tableaux de Londres par Monet pour y chercher des indications sur... la pollution de la capitale britannique au siècle dernier !
En étudiant la façon dont il a rendu la dispersion de la lumière, ces chercheurs en Géographie, Sciences de la Terre et de l'Environnement de l'université de Birmingham espèrent trouver des informations sur les particules qui composaient le fog, l'épais brouillard londonien qui plaisait tant à Monet. Le phénomène a atteint son apogée dans les années 1880 puis a progressivement diminué.
Monet peignait exactement ce qu'il voyait, et entretenait une correspondance quotidienne avec sa femme dans laquelle il était beaucoup question du temps qu'il faisait. Les chercheurs disposent donc d'indications précises sur lesquelles s'appuyer. Car on ne sait pas grand chose sur les causes réelles de ces brumes tenaces qui privaient les habitants de Londres de soleil pendant tout l'hiver.
Monet a fait trois séjours à Londres, en 1899, 1900 et 1901, au cours desquels il a exécuté plusieurs séries de vues de la Tamise, représentant une centaine de toiles.
Celle-ci, intitulée Le Parlement, trouée de soleil dans le brouillard, (1900-1901) se trouve au Musée d'Orsay à Paris.

Le plaisir d'une promenade dans les jardins de Giverny, c'est d'y découvrir les motifs qui ont inspiré le maître des lieux.
Quand on passe sous le grand saule près du pont japonais, par exemple, on ne peut s'empêcher de penser à ce tableau célèbre du musée Marmottan à Paris, peint à la fin de la guerre 1914-1918.
Monet, reclus chez lui, ne puise plus son inspiration que dans son jardin.
Il est atteint d'une double cataracte qui l'empêche d'apprécier les couleurs à leur juste valeur et rend les contours imprécis. Monet peint alors de mémoire et en fonction de l'ordre dans lequel il dispose les couleurs sur sa palette. C'est peut-être ce qui explique cette profonde différence de coloris entre son tableau, où le bleu ciel domine, et ce que notre oeil voit aujourd'hui, une teinte qui tire sur le vert glauque. Mais peut-être doit-on cette différence à la croissance des arbres depuis près d'un siècle. Parvenus à maturité, ils se reflètent davantage dans le bassin. Pour paraître bleue, l'eau doit réfléchir le ciel, et non les arbres.
Dans la toile de Monet, pas de berge, pas de bord. Les branches du saule tombent on ne sait d'où - pas de tronc non plus. Elles ressemblent à un rideau de théâtre autour d'une scène, à des cheveux encadrant un visage. Elles donnent la verticale, comme un léger fil à plomb.
Entre les branches du saule, en plein milieu du tableau, le reflet de jolis nuages blancs. Le cadrage est serré, mais l'impression d'espace énorme, à cause de ces nuages, qui ouvrent une profondeur infinie, comme un trou dans la toile. En même temps que ces immensités, le reflet du ciel matérialise l'horizontale de la surface de l'eau, concrétisée par les deux radeaux de nymphéas qui y flottent et créent un effet de perspective. Quelques petites touches de rose et de jaune donnent toute son intensité au bleu, dans une harmonie pleine de douceur.
Enfin, au premier plan, des touches plus sombres sous les feuilles de nénuphar évoquent la profondeur du bassin, comme si on plongeait le regard dans l'eau.
C'est la gageure de cette oeuvre, représenter dans l'espace à deux dimensions de la toile tous ces différents plans et volumes dans lesquels l'oeil se perd.
Comme en photographie, pour être réussie l'image picturale doit capter longtemps le regard, le laisser errer d'un point à un autre pour y chercher des réponses.

Pour ce centième billet, voici le centième tableau de Monet, Portrait d'Ernest Cabadé. Un portrait sobre et même sévère d'un homme encore jeune. Cabadé deviendra un médecin fameux qui publiera de nombreux ouvrages scientifiques.
On ignore quel était le degré d'intimité qui unissait Claude Monet et Ernest Cabadé. Monet le nomme son ami dans la dédicace du portrait qu'il lui offre "à mon ami Cabadé / Claude Monet / 1867".
Cette année-là, Monet a bigrement besoin de cet étudiant en médecine : Camille attend un enfant, et le couple n'a pas un sou pour payer un médecin ou une sage-femme. Le 8 août 1867 à 6 heures du soir, Cabadé accouche Camille d'un "gros et beau garçon", en l'absence de Monet qui se trouve dans sa famille au Havre.
La naissance de Jean Armand Claude a lieu au rez-de-chaussée du 8 impasse Saint-Louis dans le quartier des Batignolles à Paris 17e. Jean porte le nom de son père, qui le légitimera ultérieurement en se mariant avec Camille.
Malgré l'hostilité de son propre père concernant sa vie maritale avec Camille, Claude se garde bien de suivre les conseils paternels d'abandonner l'enfant et sa mère. Au contraire, il se sent envahi d'affection pour ce petit bout de chou. Le tableau 101 représente le bébé dans son berceau.

C'est un verger, et c'est un jardin. Monet peint "Le Jardin aux iris, Giverny" (w1622) au printemps 1900. Il a installé son chevalet dans son Clos Normand, à l'origine un verger entouré de murs, qu'il a transformé en jardin fleuri.
De retour de Londres, Monet retrouve avec bonheur le printemps givernois. Il peint quatre toiles dans cette partie de son jardin. C'est d'abord (Le Printemps, Giverny, w1620) une vue des pommiers en fleurs se découpant sur du ciel bleu, avec un horizon placé un peu au-dessous du milieu de la toile. Les touffes d'iris se confondent avec l'herbe au pied des arbres.
Puis (Pommiers en fleurs, w1621) Monet introduit la petite allée à la droite du tableau.
Dans son troisième tableau illustré ici, Monet change le cadrage pour placer l'horizon très haut. La floraison des pommiers a cédé la place à celle des iris. Le chemin semble sortir de nulle part. Les fleurs l'ont-elles envahi ? Cachent-elles un de ses détours ? L'allée permet en tout cas d'entrer dans le tableau, et de marquer la profondeur du verger.
La touche vibrante, très impressionniste de Monet se retrouve dans le traitement des feuillages et des massifs de fleurs. Ils apparaissent comme des masses colorées. Pour restituer l'impression printanière, Monet a employé des couleurs fraîches et claires, dans une harmonie de verts tendres et de mauves. Comme vous l'aurez remarqué, c'est ce tableau qui sert de thème à ce blog. Les bandes vertes ont été composées à partir du vert des feuilles d'iris.
Dans son quatrième tableau (Allée de jardin, w1623 ) Monet monte encore l'horizon afin de diminuer l'importance des pommiers et augmenter celle des iris en fleurs. L'évolution de ses cadrages préfigure celle des Nymphéas. Au bord de son bassin, Monet donnera progressivement de moins en moins de place aux berges pour se concentrer sur les nénuphars flottant sur l'eau.

Quatre personnages enfoncés jusqu'à mi-corps dans une mer de coquelicots. Ce devait être le début de l'été 1879, quand les familles Monet et Hoschedé habitaient ensemble à Vétheuil.
Claude Monet a sans doute lancé à la cantonnade :"Qui vient faire un tour de bateau jusqu'à Lavacourt ? Il y a un champ de coquelicots en fleurs que je voudrais peindre."
Une des deux jeunes femmes - est-ce Camille ? est-ce Alice ? - a embarqué avec lui, en compagnie de trois des huit enfants. Ils ont traversé la Seine. Le ciel était chargé de nuages, il faisait peut-être un peu lourd.
Longtemps, ils ont cueilli de gros bouquets de coquelicots, qui se fâneraient bientôt, tandis que Monet les cueillait lui aussi du bout de son pinceau, pour les déposer sur la toile.
Monet aimait tellement la vue depuis Lavacourt qu'il est allé jusqu'à louer une petite maison pour six mois en 1901, plus de vingt ans après, afin de peindre à nouveau ce paysage. L'église de Vétheuil qui s'élève de l'autre côté du fleuve apparaît dans 60 tableaux de Monet !
Lavacourt se trouve à l'intérieur d'une boucle de la Seine. L'absence de pont en fait un bout du monde. Pourtant, quand on prend la peine de s'y rendre, on est récompensé par la magnifique vue sur Vétheuil.
Une émotion saisit le voyageur qui débouche sur la berge de la Seine. Si, dans Champ de coquelicots près de Vétheuil, les personnages sont immergés dans la prairie fleurie, à Lavacourt, on est dans un Monet. On a l'impression d'entrer dans le tableau, comme on peut l'avoir dans les jardins de Monet à Giverny.

L'air embaume le foin coupé autour de Giverny. Le temps chaud de juin favorise le séchage de l'herbe. Le calendrier des travaux agricoles reste immuable, même si l'opération est entièrement mécanisée aujourd'hui et que les meules façonnées à la fourche ont disparu.
Ces deux toiles ont été peintes par Monet au même endroit à un an d'intervalle, en 1884 et 1885.
La première, Meules à Giverny (numéro w0902 du catalogue raisonné) fait partie d'une mini série de trois tableaux sur le même thème, avec des variations de lumière : au soleil, par soleil voilé, le soir.
Monet reprend le même sujet l'année suivante dans Les Meules à Giverny (w0993), pour une nouvelle déclinaison en trois tableaux. On remarque que le temps a passé aux changements dans la végétation. Les peupliers du fond, élagués en 1884, ont repoussé.
Mais le détail le plus intéressant, c'est l'apparition de personnages dans la gauche du tableau. On dirait que Monet a trouvé que quelque chose manquait dans les toiles des 1884. Les arbres ne suffisent pas à donner l'échelle pour permettre à l'oeil d'évaluer la taille réelle des meules. Cette fois, les silhouettes minuscules de plusieurs membres de sa famille (Alice, Germaine, Jean-Pierre et Michel), font ressortir le gigantisme des tas de foin. D'autant plus que Monet triche un peu en plaçant les personnages à mi-chemin entre les deux meules, et non pas au premier plan.

Dans les jardins de Giverny, un jour de grand soleil. Au fil des allées, on aperçoit quelques parapluies ouverts. Un petit coup d'oeil : c'est toujours une dame japonaise qui se protège ainsi des ardeurs du soleil. Ce geste ne lui paraît pas, comme à nous, vaguement ridicule, mais au contraire parfaitement adapté à la situation.
Les Japonaises n'ont pas perdu comme nous l'habitude féminine de l'ombrelle. Camille apparaît plus gracieuse que jamais quand Monet la peint en 1875 avec cet accessoire si prisé alors.
Le visage très doux, esquissé de quelques coups de pinceaux, se devine derrière un léger voile qui flotte au vent, tandis que la silhouette de Camille se détache à contre-jour dans une atmosphère bleutée.
Sa femme, son fils, une journée de beau temps dans la nature : Monet semble avoir résumé tout son bonheur d'Argenteuil, mis en valeur par le cadrage en contre-plongée.

Bien que Normand, Monet a peint très peu de vaches. Celle-ci est un détail du tableau "Cour de ferme en Normandie" exécuté à ses tout débuts, en 1862 ou 63. Il porte le numéro 16 du catalogue raisonné.
La vache est pourtant un des thèmes favoris d'Eugène Boudin, le premier "maître" de Monet. Le musée Malraux du Havre a la chance de posséder le fond d'atelier de Boudin. En plus d'innombrables marines et ciels admirables, des dizaines d'études de vaches sont accrochées côte à côte en haut de l'escalier de la mezzanine, une vision réellement saisissante.
Monet a bien essayé de faire comme Boudin. Mais sa désaffection pour un des emblèmes régionaux provient d'un défaut majeur du modèle : il bouge. Avec beaucoup d'humour, Monet a raconté l'anecdote suivante au journaliste du Temps :

"Un bel après-midi, je travaillais aux environs du Havre dans une ferme. Une vache pâturait dans un pré : l'idée me vint de dessiner la bonne bête. Mais la bonne bête était capricieuse, et, à chaque instant, se déplaçait. Mon chevalet d'une main, ma sellette de l'autre, je la suivais pour retrouver tant bien que mal mon point de vue. Mon manège devait être fort drôle car un grand éclat de rire derrière moi retentit. Je me retourne et je vois un colosse qui pouffe. Mais le colosse était un bon diable. "Attendez, me dit-il, que je vous aide". Et le colosse, à grandes enjambées, rejoint la vache et, l'empoignant par les cornes, veut la contraindre à poser. La vache, qui n'en avait pas l'habitude, se rebiffe. C'est à mon tour, cette fois, d'éclater. Le colosse, tout déconfit, lâche la bête et vient faire la causette avec moi."

Rencontre fructueuse, puique ce 'colosse', un Anglais, va lui faire faire la connaissance du peintre Jongkind, son "vrai maître".

Au détour d'une balade dans les collines de Giverny, voilà qu'on tombe nez à nez avec ce vallon. A première vue, rien d'extraordinaire, mais l'oeil y a décelé un motif connu. C'est le millième tableau de Monet.
Avec ses touffes d'orties, ses bouquets d'arbres, la réalité frappe surtout par sa banalité. Qu'est-ce qui a bien pu séduire le peintre pour qu'il plante son chevalet devant ce paysage-ci en particulier ? Qu'y a-t-il vu de pittoresque ?
On peut chercher des raisons rationnelles. Il y a d'abord le dessin délicat de cette crête arrondie, la douceur accueillante de ce creux dans la colline. La scène qui s'élève devant les yeux répond à la verticalité de la toile, et propose un cadrage original d'où le ciel est presque absent. Mais quand on oublie la réalité, quand, de retour à la maison, on revient au tableau, une autre explication du choix de l'artiste saute aux yeux.
L'oeuvre s'appelle Champ de coquelicots, environs de Giverny. Quand Monet a peint ce vallon, en 1885, il était envahi de fleurs rouges. Et l'image d'une de ses toiles les plus célèbres s'impose. Camille et Jean, doublement peints dans leur promenade à travers un champ tout tacheté de coquelicots près d'Argenteuil, douze ans plus tôt.

C'est le souvenir de ce doux instant du passé qui ressurgit, me semble-t-il, quand Monet choisit de peindre ce vallon. La toile s'emplit alors de mélancolie, par l'absence de la gracieuse jeune femme.
Et par contraste avec l'image heureuse d'Argenteuil, quand l'avenir était riche de promesses, le paysage se ferme. La colline se dresse comme un mur. La mort de Camille a fait s'évanouir un certain rêve de bonheur.

L'art du pastel est à l'honneur cette semaine à la salle des fêtes de Giverny. Des artistes pastellistes venus de France, des Etats-Unis, de Russie... se retrouvent comme chaque année pour une exposition somptueuse.
Claude Monet ne semble pas avoir dédaigné cette technique, même si le catalogue raisonné de son oeuvre ne leur fait pas une grande place. On trouve sur le net des images de pastels signés Claude Monet. Sont-ils authentiques ? Figureront-ils dans la prochaine édition du catalogue ? En tout cas ils ressemblent beaucoup à des Monet et sont bien agréables à regarder, comme celui-ci qui représente des falaises de Seine-Maritime.

Aujourd'hui pour la première fois de l'année nous avons mangé dehors. Il faisait une température idéale, juste chaude comme il faut. Bientôt il faudra tirer la table à l'ombre, et en plein été on se trouvera mieux à l'intérieur de la maison.
En savourant ce premier repas au jardin, on ne peut s'empêcher de penser au tableau de Monet "Le Déjeuner" si fascinant au musée d'Orsay. Cette oisiveté d'après repas, cette nonchalance... L'oeil cherche les détails qui retranscrivent si bien l'instant. Est-ce l'ombrelle oubliée sur le banc, le chapeau accroché dans l'arbre, Camille qui passe au fond dans sa robe blanche ? Ou la belle cafetière en argent sur la table, les tasses japonaises que personne ne s'est hâté de débarasser ? Le petit Jean qui joue par terre ? Ou simplement le contraste de l'ombre et de la lumière qui revient si souvent dans les oeuvres de Monet à Argenteuil ?
Cet après-midi le soleil s'est voilé, et un orage a éclaté sur Giverny.