Le jour où Monet a acheté sa maison
Les Archives de l’Eure conservent les actes anciens établis par les notaires du département, en particulier maître Grimpard, notaire à Vernon. C’est avec lui que Claude Monet a rendez-vous ce 19 novembre 1890 pour officialiser l’achat de sa maison de Giverny, qu’il loue depuis 7 ans aux époux Singeot. Louis Singeot et Aglaée, née Saintard sont bien entendu présents eux aussi, ainsi que deux témoins, selon les usages de l’époque.
A la lecture de l’acte préparé par le notaire, Claude Monet intervient. Alors que les époux Singeot ont droit à tous leurs prénoms à l’état-civil, Monet n’est désigné que par celui de Claude. Il précise que son deuxième prénom est Oscar. Celui-ci est rajouté dans la marge, modification qui sera paraphée par tous les présents.
La superficie totale est de 8612 m2. La désignation du bien nous apprend qu’il comporte deux maisons : la première se compose de « quatre pièces au rez-de-chaussée, quatre chambres au premier étage. Deux mansardes et grenier dessus, cave dessous. Atelier de peinture en aile à l’une des extrémités de la maison. Grand bûcher, petit hangar et cabinet d’aisance fermant l’autre aile. »
En 1890, Monet a déjà transformé la grange en atelier, mais il n’a pas encore entrepris les travaux qui vont modifier profondément la maison avec la construction de sa chambre au-dessus de l’atelier. Il faudra alors créer un nouvel escalier, une entrée privative, un cabinet de toilette, reprendre la charpente et la couverture pour les prolonger.
La deuxième maison est « composée d’une cuisine et de deux autres pièces au rez-de-chaussée, écurie à la suite, deux chambres et cabinet de toilette au-dessus, grenier sur le tout ; cellier à la suite. »
Cette deuxième maison est vraisemblablement située à l’emplacement de l’actuel deuxième atelier. Elle sera abattue ultérieurement par Monet, quand l’achat de parcelles voisines lui permettra d’agrandir son terrain et de construire le deuxième atelier.
Le prix de vente du bien est fixé à 22 000 francs, payables en quatre versements les 1er novembre 1891, 92, 93 et 94. Après les longs développements portant sur la provenance des biens, pendant lesquels il n’a fait aucune remarque, Monet se réveille tout à coup et prend soin de faire rajouter en marge une clause précisant qu’il lui sera possible de payer par anticipation, à condition d’en avertir les vendeurs trois mois à l’avance. Cela lui permettrait non seulement de se libérer de sa dette, mais aussi d’éviter le surcoût des intérêts de 5% qui frappent le capital restant dû. Le contrat de vente était plus contraignant, puisque Monet devait obtenir « le consentement exprès des vendeurs ». On voit donc que le peintre cherche à se préserver des marges de manoeuvre en fonction de ses ventes futures.
Enfin arrive le moment tant attendu de la signature de l’acte. Monet est-il ému d’acheter la maison où il se plait tant ? En tout cas je le suis de tenir dans les mains le folio qu’il a paraphé. J’observe sa graphie, comparée à celle des autres signataires. Il est le seul à appuyer autant sur la plume, à forcer les pleins, à ignorer les déliés. Et ce drôle de n détaché du o, quelle étrange écriture ! Emu, Monet ? Bien sûr que oui.
Le pichet vert
Avec ses chrysanthèmes et ses pommes, voici une nature morte de saison, qui célèbre la beauté de l’automne à travers ses plus belles fleurs et l’abondance de ses fruits.
On reconnaît bien la patte de Blanche Hoschedé-Monet dans le léger flou qu’elle donne aux choses, et son goût pour les compositions presque monochromes déjà observé dans La Salle à manger de Monet à Giverny.
Où se trouve-t-elle ? Aucune pièce de la maison de Monet ne possède cette vitrine qu’on aperçoit à l’arrière-plan. Blanche est peut-être dans le deuxième atelier ? Après tout, ce serait un endroit approprié pour faire de la peinture.
Si j’ai du mal à identifier le lieu, en revanche j’ai tout de suite reconnu le pichet qui fait office de vase. Les visiteurs de Giverny peuvent le voir dans le salon-atelier de la maison :
Sa couleur verte marbrée de jaune et son anse en flèche en font un objet unique et caractéristique.
Le voici un autre jour, tourné dans l’autre sens, celui du tableau de Blanche. Elle aimait tellement ce broc et ses couleurs incertaines qu’elle l’a utilisé pour une autre toile :
Cette fois, on repère au premier coup d’oeil qu’on se trouve dans le salon bleu, devant le buffet qui sert de bibliothèque. En revanche, l’identification des fleurs est moins facile. Je penche pour un beau bouquet de mufliers, ou gueules de loup si vous préférez, pour fêter l’été. Qu’en pensez-vous ?
14 novembre
Claude Monet aurait eu 182 ans aujourd’hui, d’accord c’est absurde. Disons plutôt que la date du 14 novembre est celle de l’anniversaire du peintre. On imagine la salle à manger de Giverny pleine de joyeux convives venus le fêter. Qu’y aurait-il eu à déjeuner ? Peut-être de la bécasse, que son beau-fils Jean-Pierre Hoschedé partait chasser plusieurs jours à l’avance, car Monet l’aimait bien faisandée.
La bécasse se reconnaît à son très long bec effilé, qui lui vaut son nom. J’ignore quel est le goût de sa chair et si elle mérite sa réputation. Peut-être que si je le savais, je serais moins portée à m’attendrir sur cette pauvre bête pendue la tête en bas, et à m’interroger sur ce qui peut pousser un artiste à la peindre et un amateur à acheter le tableau pour le contempler sur son mur.
Bref : toute la famille de Monet était au courant qu’il en raffolait.
Avant que Jean-Pierre soit assez grand pour tenir un fusil, Alice devait acheter l’oiseau, qui se vendait très cher :
Lettre de Claude Monet à Alice Hoschedé, Etretat 20 novembre 1885
Il me faut d’abord vous gronder un peu de votre folie, pour les bécasses. Je sais bien que vous m’en aviez un peu parlé et que je ne m’étais pas trop défendu, mais le moment était mal choisi et vous auriez mieux fait d’économiser cela pour vous. Enfin, je vais me régaler comme un gueulard que je suis, mais j’aurais mieux aimé que vous puissiez être là à partager ce régal avec moi.
Lettre de Claude Monet à Alice Hoschedé, Etretat 21 novembre 1885
Quant aux bécasses, j’en ai mangé une hier soir. Quel repas, bon Dieu, une sole au gratin épatante et la bécasse exquise, le tout y a passé ; c’est honteux de bâfrer de la sorte, aussi m’a-t-il fallu arpenter bien des fois la terrasse du Casino pour faire passer tout cela.
Lettre de Claude Monet à Alice Hoschedé, Etretat 23 novembre 1885
Ce soir je mange la seconde bécasse et songez qu’hier j’avais un perdreau.
Un gueulard est, selon le dictionnaire, une personne qui mange beaucoup ou aime manger bien, quelque part entre le gourmand, le gastronome et le goinfre. Lucide, au moins, le père Monet.
Un chat chez Monet
« Les amis des chats admireront le naturel de la position de l’animal », commente Daniel Wildenstein dans le tome V du catalogue raisonné de Claude Monet, consacré aux dessins et pastels. Cette petite oeuvre si charmante a appartenu à Jean-Pierre Hoschedé, de même que la suivante au catalogue, L’atelier au chat. Ce chat était-il celui de Monet ? Ou bien a-t-il profité de la présence du chat d’un ou une amie pour le dessiner, peut-être deux fois dans la même journée ?
Dans son livre de souvenirs Claude Monet ce mal connu, Jean-Pierre Hoschedé, beau-fils du peintre, explique d’abord que Monet, « qui aimait les animaux », n’eut jamais de chien ni de chat à Giverny
« parce qu’il craignait leurs dégâts en son jardin et à ses fleurs malgré, cependant, l’exemple que lui avait donné Caillebotte qu’il avait vu à Argenteuil, toujours entouré de chiens et de chats dans son jardin où ils ne causaient pas de déprédations.
Puis, à la réflexion, il se ravise. Et là, double surprise :
« Je retrouve justement une lettre que ma mère adressait à Monet, alors dans le Midi, » (Tiens, Monet ne les a donc pas toutes détruites ??? ) « qui prouve que je viens de me tromper puisqu’elle écrivait :
Notre pauvre chatte est morte après d’horribles souffrances. Nous en sommes tous désolés. Nous n’en retrouverons jamais une semblable, si douce, si facile… »
Il y a donc eu au moins un chat à Giverny ! Mais son passage a peut-être été bref, car Jean-Pierre ajoute :
« Personnellement, je n’ai nulle souvenance de cette chatte. »
Novembre à Giverny
L’effet est aussi brutal que le passage à l’heure d’hiver, qui nous fait changer de saison en une nuit. Il n’aura fallu que trois jours aux jardiniers de la fondation Claude Monet pour métamorphoser la grande allée. Comme chaque année, depuis que le dernier visiteur est parti, tout va très vite dans les jardins de Giverny. Les capucines ont été arrachées, les dahlias retirés du sol et mis en caisse, les asters coupés à ras, le terrain bêché… Le tracteur trône au milieu du chemin, prêt à emporter la remorque de déchets verts au compost. Les échelles dressées indiquent que la taille des rosiers est en cours.
L’équipe est maintenant dans les massifs le long de la route. La façon de procéder est immuable, rodée par des années de pratique. Les fleurs exubérantes cèdent peu à peu la place à la terre nue. Novembre est le mois qui demande le plus d’effort physique aux jardiniers. « Les deux premiers jours c’est dur, après le corps s’habitue », banalise l’un d’entre eux.
Il est tombé une pluie fine tout le dimanche, mais le temps s’est vite remis au sec. De la douceur encore, 18 degrés l’après-midi. Il faut faire vite, vite, comme toujours, car on ne sait pas de quoi l’hiver sera fait.
Les carrés de pelouse ont retrouvé un vert qu’ils n’avaient plus cet été. Les dernières colchiques s’y pavanent pour personne. Le pommier du Japon croule sous des centaines de petits fruits rouges que nul n’admire.
Certains massifs offrent toujours leur aspect de jungle si déroutant, mêlant sauges et cestrum, ricin et hibiscus, lavatères et persicaires. Mais l’éclat, inexorablement, s’en va.
La question flotte dans l’air : aurait-on pu rester ouvert un peu plus, par exemple jusqu’à la fin des vacances d’automne ? Laisser voir jusqu’au bout ce jardin qui s’essouffle, maintenu en vie par la tiédeur du temps ? Economiquement, sans doute que non, car l’ouverture demande l’emploi d’un personnel nombreux. Mais c’est toujours un peu triste d’arracher des plantes qui fleurissent encore. Dans nos jardins, nous aimons les laisser debout jusqu’au dernier pétale.
Combien de jardiniers avait Monet
Devant l’étendue des jardins de Giverny, la question s’impose : combien de jardiniers étaient dévolus à leur entretien, à l’heure où le maître ne se souciait plus de mettre la main à la pâte ?
Le dénombrement de 1906 permet d’apporter une réponse a minima. Giverny compte alors 310 habitants. Chaque habitant du village est recensé, avec sa profession et le cas échéant le patron pour qui il travaille.
En 1906, Monet emploie, habitant à Giverny :
- Félix Breuil né en 1867 à Rémalard dans l’Orne, jardinier. Il vit avec son épouse Marie Saunier et son fils Léon dans la maison voisine des Monet. C’est le chef-jardinier.
- Léon Loisel, né en 1887, jardinier. Il habite sous le toit des Monet, peut-être dans le second atelier.
- François Delasse, né en 1846, journalier. Il vit avec sa femme et son père rue des Grands Jardins.
- Jean Denais, né en 1859, journalier. Il demeure rue aux Juifs avec sa femme et leur petite fille.
- Joseph PHILIPPE, né en 1887, jardinier. Sa maison est rue du Chêne, juste à côté de celle de Jean-Pierre Hoschedé et son épouse. C’est sans doute lui qui est responsable du potager de Monet, situé à la même adresse. Delasse et Denais travaillent-ils au potager, dont ils sont plus près, ou dans les jardins de Monet ? Il n’est pas impossible qu’ils aient été affectés à l’un ou l’autre jardin en fonction des besoins.
Les journaliers, peut-être moins qualifiés que les jardiniers, étaient théoriquement embauchés de façon ponctuelle pour les gros travaux. Le fait qu’ils citent Monet comme leur patron laisse entendre qu’ils travaillent exclusivement pour lui, car lorsque les employeurs sont multiples, l’agent recenseur porte la mention « divers » dans la case employeur.
On compte donc (au moins) 5 jardiniers pour les jardins potager et d’agrément, qui ont atteint leur taille définitive de près de 3 hectares au total.
D’autre part, Monet a plusieurs autres personnes à son service :
- Sylvain Besnard, né en 1866, chauffeur d’auto. Marié et père de 3 enfants, il vit avec sa famille tout près de chez Monet, rue de l’Amsicourt.
- Julien Houdayé, né en 1867, valet de chambre
- Joséphine Epiard, née en 1870, cuisinière
- Marie Thérin, née en 1885, femme de chambre. Ces trois dernières personnes sont domiciliées chez Monet.
Au total 9 personnes habitant le village, soit sous son toit, soit dans leur propre maison. Est-il possible que d’autres employés logent dans les communes avoisinantes ? Ce n’est pas exclu, mais on peut en douter, car elles sont distantes de plusieurs kilomètres de la propriété de Monet. Les recensements de Bois-Jérôme-Saint-Ouen, Sainte-Geneviève-les-Gasny et Limetz-Villez, les villages les plus proches, ne livrent aucun nom d’employé de Claude Monet.
Ce chiffre de 9 employés est le maximum relevé. En 1901, Monet a une cuisinière, un valet de chambre et 3 jardiniers, soit 5 personnes au total. En 1911, ils sont 8 employés dont 3 jardiniers, en 1921 et en 1926 on en compte 7 dont 3 jardiniers. Le chiffre communément avancé de 6, voire 7 jardiniers au service de Monet paraît donc exagéré, du moins pas à temps complet.
A noter, le fameux jardinier Florimond évoqué par Claire Joyes dans les Carnets de cuisine de Claude Monet apparaît dans le seul recensement de 1901, installé rue du Chêne. Son nom complet est Florimond Bellanger, il a 33 ans. En 1901 Monet emploie aussi Désiré Vavasseur et Henri Delasse comme jardiniers.
Après la mort de Claude Monet, les recensements révèlent que Blanche Monet continue d’avoir des jardiniers à son service pour l’entretien des jardins. En 1936, elle emploie Louis Lebret et Kléber Lebrun comme jardiniers du Pressoir, et Orazio Zivacco, qui habite rue aux Juifs, pourrait être le jardinier du potager. Elle a toujours Silvain Besnard comme chauffeur, Marguerite Lavenu est la cuisinière, son mari Paul est domestique. Blanche a donc sous ses ordres 6 personnes, alors qu’elle vit seule !
Datura et Brugmansia
C’est demain Halloween, l’occasion de célébrer deux plantes très toxiques cultivées dans les jardins de Monet : le datura et le brugmansia. Oui, bien que le jardin de Giverny accueille du public, de nombreuses fleurs qui y poussent sont dangereuses pour la santé si on les ingère, mais ce serait tout de même une drôle d’idée de les cueillir et de se mettre à les manger.
Les daturas et les brugmansias ont en commun de présenter de magnifiques fleurs en trompette de grande taille, mais tandis que le brugmansia les laisse pendre de ses branches, le datura les dresse sur une tige érigée.
J’ai du bon tabac
Cette nature morte de Blanche Hoschedé-Monet peinte l’année de sa mort révèle tout le talent de la belle-fille de Claude Monet. Installée dans la salle à manger de Giverny bien connue pour ses tons de jaune de chrome sur les murs et le mobilier, Blanche joue sur toute la gamme des jaunes : jaune d’or de la théière, jaune plus acidulé de la tasse, jaune presque orangé du citron, jaunes pâle et soutenu des jonquilles, et même jaune d’une fleur indéfinie flottant dans une coupelle à l’arrière-plan. J’imagine des primevères ou des pensées, vu la saison.
En contrepoint, deux notes de vert : le vase à col étroit des jonquilles, et un objet arrondi à l’arrière-plan, qu’on peut toujours voir dans la salle à manger de Giverny. Blanche en a exagéré la couleur, car voici à quoi ce pot ressemble :
On ignore si Monet se servait vraiment de ce pot à tabac. C’est une oeuvre de Jean Renoir, le fils aîné de Pierre-Auguste Renoir, l’ami de Monet. Jean Renoir, avant de se consacrer au cinéma, a exercé pendant un temps comme céramiste, encouragé dans cette voie par son père. Le pot offert à Monet est signé Renoir au-dessous.
Quant au vase des jonquilles, je crois le reconnaître dans celui qui se trouve exposé dans le premier atelier sur le bureau de Monet :
Et n’est-ce pas le même vase qui se trouve sur le lambris dans la photo de Monet à son bureau ?
Enfin, il me semble reconnaître dans le cadre accroché au mur l’estampe suivante, qui se trouve maintenant dans l’escalier :
C’est une oeuvre de Kuniyoshi Utagawa qui nous montre une petite famille saisie sur le vif dans une attitude de la vie quotidienne, ce qui était bien fait pour plaire à Claude Monet.
Monet à son bureau
gallica.bnf.fr, Bibliothèque nationale de France
Voici Claude Monet dans son salon-atelier, immortalisé par un photographe de l’agence Meurisse. Le cliché paraît avoir été pris le même jour que ceux dans l’atelier, en 1926.
Est-ce le photographe qui a suggéré à Monet cette pose étudiée rapprochant la main qui peint de l’oeil qui voit, est-ce lui qui a demandé qu’on baisse le store de la fenêtre pour tenter d’éviter cette zone surexposée dans la photo ? Monet fait face à sa grande verrière ouverte sur l’ouest, son visage apparaît avec netteté. Il a déposé les lunettes qui ne le quittent plus guère, dont l’un des verres est opaque. Il est chaudement vêtu : c’est le printemps, le temps des premières fleurs. Il en a prélevé quelques-unes et les a placées dans ces vases au col étroit qu’il aime. Je crois reconnaître des iris, de petits rameaux d’abricotier du Japon.
Le photographe pourrait-il être Nickolas Muray, qui signe de superbes portraits de Monet la même année, portant le même costume, dont l’un près des iris de son jardin d’eau ?
La pièce déborde d’objets. La surface du bureau est entièrement couverte d’un fourbi soigneusement arrangé de boîtes au contenu mystérieux, de journaux, cadres posés en équilibre, dont le portrait de l’artiste réalisé par Sacha Guitry en 1915, presque une mise en abîme. Dans l’angle, la petite pendule, un cartel, qu’on pouvait voir naguère dans la chambre de Monet. On aperçoit aussi la photo d’Alice et Lily Butler sur le pont japonais, la dernière image de l’épouse du peintre, qu’il voulait garder toujours sous les yeux.
Les tilleuls de Monet
Le peintre et sa famille adoraient ce coin ombragé proche de la maison. Ils installaient les meubles en rotin sur ce qui est maintenant un bout de pelouse, à l’époque une allée sablée. Plusieurs photos les montre à cet endroit en compagnie d’invités, notamment le marchand Paul Durand-Ruel.
Des milliers d’étoiles
Encore quelques jours pour goûter la douceur de cet automne si chaud que le jardin de Monet ne donne aucun signe de fatigue. Tout luit dans la lumière qui se fait douce. C’est la grande parade des sauges au toucher de velours, des immenses hélianthes et des dahlias somptueux.
Lever du jour sur la Seine
Pour capturer la lumière exacte des Matinées sur la Seine de Claude Monet, il faudrait venir à Giverny au mois d’août, et être à pied d’oeuvre au bord du fleuve à cinq heures du matin. C’est un peu tôt pour moi, aussi ai-je retardé l’échéance jusqu’au mois d’octobre. Voici Giverny hier à 8 heures du matin.
A l’ouest, la pleine lune toute dorée reste accrochée au-dessus des champs labourés, éveillant des envies de télescope et de trépied. Cela doit être passionnant de photographier ce corps céleste, mais ce n’est pas ce que je suis venue chercher. Je voudrais des brumes, du bleu, des ombres, des reflets, du rose, du doré.
Deux seulement dans l’objectif, si loin, si flous : je tire mon chapeau aux photographes animaliers qui nous offrent des images à couper le souffle.
Tout au bout, là où le chemin forme un T, je tourne à droite puis à gauche, dans un très modeste sentier baptisé :
Aussi Monet est-il parvenu à rendre tous les jeux de la lumière et les moindres reflets de l’air ambiant, il a reproduit les ardeurs des couchers de soleil et ces tons variés que l’aurore donne aux buées qui se lèvent des eaux ou couvrent la campagne, il a peint, dans toute leur crudité, les effets de la pleine lumière tombant à pic sur les objets et leur supprimant l’ombre, il a su parcourir toute la gamme de tons gris, des temps couverts, pluvieux ou estompés de brouillard.
Theodore Duret, 1885
Vais-je retrouver le motif de Monet, sa lumière ? La Seine a changé, elle a perdu la plupart de ses îles. La partie droite de l’image sera forcément différente. Mais la gauche ? Une péniche passe, deux cygnes plongent la tête dans l’eau et la ressortent, occupés à leur petit déjeuner. Monet aurait ignoré ces anecdotes pour ne voir que la lumière.
Ce ciel bleu, c’était hier. Aujourd’hui, où j’étais attendue pour une visite matinale, j’ai admiré par la fenêtre avec une pointe de dépit la plus belle aurore qui soit. Pour capturer les effets, il faut aussi que la météo y mette du sien, c’est-à-dire qu’elle récompense le pari fait par le photographe en se rendant sur place.
Pour Monet, la question était encore plus cruciale, et l’on comprend ses affres face aux changements de temps. Il lui fallait plusieurs séances d’un même effet pour faire aboutir ses études. Si l’effet ne se reproduisait pas, l’étude ne deviendrait jamais un tableau, et le travail effectué lors des premières séances serait perdu.
Les biographes de Monet marquent parfois de l’agacement face à la litanie de ses plaintes relatives à la météo dans ses lettres à sa femme. Oui, c’est ennuyeux à lire, c’est répétitif, mais il suffit de mettre ses pas dans ceux de Monet, de faire l’effort de se lever tôt, de charrier son matériel jusqu’au motif, et de guetter la lumière pour comprendre le peintre.
La vigne de Giverny
Le nénuphar ne sait pas faner
Des fleurs toujours fraîches tout au long de la saison… Le nymphéa aurait-il trouvé le secret de la jeunesse éternelle ? Le visiteur scrute en vain la surface du bassin de Claude Monet à la recherche d’une corolle fanée. Partout, il ne voit que pétales lumineux et boutons pleins de promesses.
Il faut un oeil attentif pour distinguer les fleurs qui vont bientôt s’ouvrir de celles qui ne le feront plus jamais. Car, non, la durée de floraison des nénuphars n’est pas très longue, entre 3 jours et une petite semaine tout au plus. Toute la subtilité est dans la façon de tirer sa révérence.
Après avoir ouvert ses pétales face au ciel et au soleil, après avoir célébré la beauté du monde en y apportant sa touche de couleur et de grâce, le nymphéa épuisé referme une dernière fois sa corolle. Il s’affaisse. Si une feuille se trouve là, il repose sur elle, sinon il coule au fond de l’eau.
Le nénuphar jeune a un bouton bien serré et se tient droit.
Giverny la nuit
Expérimenter, chercher de nouvelles voies, et peut-être, déjà, se détacher du réel : les artistes américains qui séjournent à Giverny au début des années 1890 ont été plusieurs à attendre la nuit close pour transcrire sur la toile l’atmosphère du village baigné de lune. Se sont-ils influencés mutuellement ? Est-ce la motivation qu’apporte l’ambiance d’une colonie d’artistes qui les a conduits à relever ce défi ? Ou ont-ils subi les uns comme les autres l’influence du symbolisme ? Le pourquoi n’est pas très clair, mais le résultat est étonnant, onirique, et tranche avec les riantes scènes de bord de rivière emblématiques du courant impressionniste.
La toile ci-dessus ne représente pas la façade rose de l’hôtel Baudy mais les maisons plus proches de l’église. Celle-ci se détache sur le ciel étoilé, au bout de la perspective créée par la route très large et lumineuse.
Meteyard lui aussi met en avant les très forts contrastes créés par l’éclairage de la pleine lune, une lumière qui absorbe les couleurs. Le musée de Vernon possède l’une de ses oeuvres nocturnes, un plan rapproché sur l’église de Giverny.
Robinson, pour sa part, s’est beaucoup intéressé au moulin des Chennevières qu’il a peint sous divers angles. Là encore, la vibrance des couleurs cède la place au jeu des contrastes pour cet aspect du moulin au clair de lune.
Dans chacune de ces oeuvres nocturnes, les peintres se sont attachés à montrer la disparition des détails avec des aplats de couleurs finement travaillées ou une touche vibrante. Leur travail est à la fois étrange et original. Comme une promenade de somnambule à l’heure où tout dort.
Les funérailles de la reine
Monet va s’embarquer pour Londres pour la troisième année consécutive quand la nouvelle lui parvient : la reine Victoria a rendu son dernier souffle le 22 janvier 1901. Quand le peintre arrive dans la capitale britannique le 24 janvier, il est saisi par l’ambiance funèbre qui y règne, même s’il s’y attendait :
Lettre 1587 à Alice Monet, 25 janvier 1901
(…) Londres est, en effet, lugubre, tout le monde est en noir, Sargent en deuil avec crêpe comme tous du reste ; nous avons déjeuné ce matin dans un nouveau grill-room dans Piccadilly, et c’était extraordinaire : comme cela, il n’y avait que du noir dans une salle toute blanche. Les théâtres sont fermés pour trois semaines. Enfin, c’est moins que folâtre et ce ne serait pas le moment de venir ici. (…)
Lettre 1590 à Alice Monet, 28 janvier 1901
(…) J’ai dîné hier soir au café Royal où Sargent n’est pas venu mais où j’ai trouvé G. Moore. Nous avons dîné ensemble, il savait ma venue par Mr Hunter. Nous avons beaucoup causé des évènements. La mort de la queen le laisse froid et il traite d’hypocrisie tout ce deuil. Il est plus que jamais contre la guerre et les Anglais, et va quitter Londres pour se retirer à Dublin en Irlande. C’est décidément un type curieux et intéressant. (…)
Lettre 1591 à Alice Monet, vendredi soir 1er février 1901
(…) Tu ne peux t’imaginer Londres. Ce soir, quelle cohue ! Qu’est-ce que ce sera demain ? Toute l’Angleterre sera là. Peut-être verrai-je cela, Sargent a dû s’informer pour aller chez quelqu’un qu’il connaît, il viendrait avec moi. (…)
Lettre 1592 à Alice Monet, 2 février 1901
(…) Sargent avait demandé la permission de m’amener dans une maison pour voir le cortège, mais le difficile était de nous joindre se matin pour y aller et l’impossibilité de trouver un cab ce matin. Lui en avait retenu un au prix de 15 shillings pour le conduire chez cette dame, mais dans la crainte qu’on ne me laisse pas facilement passer, il m’a fallu me rendre à l’endroit à 8 heures du matin, et j’ai eu assez de mal à arriver tant il y avait foule de curieux, de troupes et de policemen, d’autant que la maison donne en face le palais Buckingham.
Nous devions nous retrouver à la porte, mais heureusement Sargent m’avait donné un mot de présentation et, voyant dès 9 heures tant de monde aux fenêtres et aux balcons de la maison, j’ai fini par entrer. Il y avait un salon rempli de dames, tu me vois d’ici ! Bref ! Le maître et la maîtresse de la maison, tout à fait charmants, m’ont de suite présenté aux personnes parlant français, et fait très bien placer. J’ai rencontré là (…) un grand écrivain américain, vivant tout à fait en Angleterre, parlant admirablement français et qui a été tout à fait charmant avec moi, m’expliquant tout, me montrant toutes les personnalités de la Cour, etc. (il s’appelle Henry James). Sargent dit que c’est le plus grand écrivain anglais. Butler le connaît-il ? On a attendu jusqu’à près de midi, et comme il faisait froid, on faisait passer le bouillon.
Il y avait bien cent personnes dans la maison, placées à tous les étages, et j’ai eu la chance d’être au premier, ainsi que Sargent, arrivé après 10 heures. Enfin, je suis très content d’avoir vu cela, car c’était un spectacle unique, avec cela un temps superbe, un léger brouillard avec demi-soleil, et comme fond, St James’s Park. Mais quelle foule ! et c’eût été beau d’en pouvoir faire une pochade.
Dans tout ce noir de la foule, ces cavaliers en manteau rouge, ces casques, enfin cette quantité d’uniformes de tous les pays ! Mais, sauf le recueillement de tous au passage du corbillard, que cela ressemblait peu à un enterrement ! D’abord, pas de crêpe, pas de noir, toutes les maisons ornées d’étoffes mauves, le corbillard, un affût de canon traîné par de magnifiques chevaux café au lait, couverts d’or et d’étoffes de couleur. Puis enfin, le roi et Guillaume, qui m’a paru d’un maigrelet qui m’a stupéfait ; je m’attendais à lui voir une belle allure. Quant au roi, épatant à cheval et de grande tournure. Cela, du reste, était superbe.
Quel luxe d’or et de couleurs ! et les voitures de gala, donc, les attelages ! J’en avais presque mal aux yeux. Mais ce qui était le comble, c’était de voir d’en haut cette immense foule se disperser une fois le dernier soldat passé, et nous ne savions où nous frayer passage, Sargent et moi, pour aller déjeuner. Pas de cab, tous les restaurants fermés jusqu’à 2 heures, y compris Savoy, et c’est à grand-peine que Sargent a trouvé un restaurant italien ouvert.
A 3 heures j’étais rentré. (…)
La desserte en rotin
Dans la maison de Claude Monet à Giverny, ce petit meuble en rotin ne retient guère l’attention des visiteurs qui traversent le cabinet de toilette du peintre, à l’étage. Il fait pourtant partie des meubles demeurés dans la maison après la mort de sa dernière occupante, Blanche Hoschedé-Monet.
Tout porte à croire que la belle-fille de Monet aimait beaucoup cette desserte légère, si facile à transporter partout, car on la reconnaît dans l’une de ses natures mortes :
Blanche s’est installée dans le salon bleu, dont les tons froids forment un beau contraste avec les orangés et les jaunes de la table et des fruits. Le broc, qui mêle les deux gammes de couleurs, relie visuellement le premier et l’arrière-plan.
Lignes droites et courbes créent une géométrie équilibrée, signe d’une composition réfléchie. Tout s’entrelace, les anses de la corbeille et du broc paraissent capturer les droites de la porte, en écho à l’entrelacs de rotin du premier-plan. Ce dernier motif révèle le fond sombre, en une frise de petits cercles clairs entourant du bleu.
Juste après la mort de Monet, quand Blanche reprend les pinceaux, elle est en pleine possession de son art.
La BD s’expose à la Roche-Guyon
Le château de la Roche-Guyon met à l’honneur l’album Le Piège diabolique d’Edgar Jacobs, paru il y a tout juste 60 ans. L’auteur belge a situé l’aventure de son héros dans le cadre même du village. Une machine à voyager dans le temps envoie le professeur Mortimer loin dans le passé et le futur, en passant par le Moyen Âge, avant de le ramener, ouf ! à l’époque contemporaine. Le château, lui-même un mille-feuilles historique, se prête bien à ce voyage. L’exposition, très documentée, permet de comprendre comment Jacobs réalisait une bande dessinée, de la recherche documentaire aux ultimes corrections, bien avant l’invention de l’ordinateur. Ce n’est pas si éloigné de nous, mais cela paraît déjà d’une autre époque.
Claire Joyes-Toulgouat
Je viens d’apprendre avec une grande tristesse, et tout à fait par hasard, le décès de Claire -Joyes Toulgouat le 17 juin dernier, à l’âge de 81 ans. Claire Joyes était historienne de l’art, givernoise, et l’épouse de Jean-Marie Toulgouat, descendant d’Alice Hoschedé-Monet. Elle s’est éteinte à l’hôpital de Vernon ; ses obsèques ont eu lieu dans le Lot-et-Garonne, à Fréchou.
Si vous vous intéressez à Monet, il y a de grandes chances que vous ayez lu au moins l’un de ses livres. Le plus connu est celui qui regroupe les recettes servies à la table de Monet adaptées par le chef aux 30 étoiles Joël Robuchon, Les Carnets de cuisine de Claude Monet (Chêne). L’ouvrage a été traduit en dix langues et s’est vendu à plus de 600 000 exemplaires. Claire Joyes y retrace en détail la vie dans la maison du Pressoir à l’époque du peintre. Je l’ai lu plusieurs fois, toujours émerveillée par l’intelligence et le style de Claire Joyes, tout autant que par la multitude d’informations dont il regorge. Claire et Jean-Marie avaient pu interroger des personnes qui avaient très bien connu Monet.
Claire Joyes s’est aussi penchée sur l’ambiance du village de Giverny à l’époque de la colonie impressionniste dans Giverny – un village impressionniste au temps de Monet (Flammarion). Et je lui suis reconnaissante d’avoir partagé généreusement les photos de famille dans plusieurs livres sur Monet à Giverny.
En 2009, la Fondation Claude Monet lui avait confié la rédaction de sa nouvelle brochure : Claude Monet à Giverny, la visite et la mémoire des lieux. Son texte a été illustré d’une quarantaine de mes photos, aux côtés de celles du photographe Jean-Marie del Moral. Un honneur.
Le rosier survivant
Parmi les survivants toujours présents, on compte des arbres, des arbustes, une glycine, et aussi un rosier : le rosier Mermaid qui pousse juste sous la fenêtre de la chambre de Monet. Remontant, il produit des fleurs simples jaune pâle de juin à novembre.
Le rosier Mermaid a inspiré un tableau à Blanche Hoschedé-Monet, que l’on peut voir en ce moment au musée de Vernon dans le cadre de l’exposition Saga familiale :
Blanche a posé son chevalet devant le premier atelier, dont on aperçoit la fenêtre en haut du tableau. Et il me semble reconnaître dans la partie supérieure à droite la porte ouverte de l’atelier, lampes allumées peut-être, émettant une lumière orangée. Difficile de dater cette toile, quelque part entre 1927 et 1947, entre la mort de Monet et celle de Blanche. La touche vibrante est impressionniste, l’utilisation de l’espace fait penser aux Clématites de Monet, à ses Chrysanthèmes, au Parterre de marguerites de Caillebotte, des vues plongeantes qui couvrent toute la surface du tableau. Ici, Blanche donne de la verticalité à la toile grâce à l’évocation de la fenêtre.
Gilbert Vahé aime bien raconter l’histoire de ce rosier. En tant que chef-jardinier, il a eu maintes fois l’occasion d’accompagner des personnalités dans le jardin ; déambulations ponctuées de brefs commentaires : Gilbert Vahé n’est pas un grand bavard. En 1985, se souvient-il, l’hiver avait été si glacial que le rosier avait gelé. Mais la plante est repartie des racines au printemps suivant !
On sent dans son intonation toute la surprise et la joie éprouvées au début de 1986, quand il s’est aperçu que le rosier Mermaid refaisait de nouvelles pousses, son émerveillement devant la puissance de ce rosier et la résilience de la nature. Des émotions qui venaient remplacer la désolation ressentie après le gel.
J’aime le fait qu’il aime raconter cette histoire. On y entend de la fierté d’avoir préservé un rosier historique, de l’humilité d’avoir failli le perdre. Faire le tour du jardin avec Gilbert Vahé, c’est découvrir les lieux de son point de vue, comprendre un tout petit peu ses responsabilités et son métier, à travers son ressenti.
Le rosier Mermaid symbolise l’histoire du jardin de Monet, qui a failli disparaître, et qui est reparti vigoureusement de ses racines, grâce à tous les jardiniers de Giverny.
Coucher de soleil sur Giverny
Le jardin du yoga
A la Roche-Guyon, à quelques kilomètres de Giverny, un nouveau jardin vient d’ouvrir. Il se situe rue des Jardins, une voie parallèle à la rue principale en descendant vers la Seine. Faites quelques pas dans cette rue tranquille ; vous verrez bientôt un portail grand ouvert et une pancarte indiquant le Jardin du Yoga.
En matière de jardins, ce sont toujours un peu les mêmes thématiques qui reviennent (par exemple les cinq continents…) ; celle-ci m’a paru assez intrigante pour me donner envie d’aller voir. L’espace, clos de beaux murs de pierre, renferme quelques arbres fruitiers, des massifs tout simples de bergénias ou d’iris qui doivent être jolis au printemps, et des sculptures sans prétention figurant des postures de yoga.
Peut-être que les adeptes reconnaissent au premier coup d’oeil les mouvements dont il est question. Un panneau à l’entrée les identifie. A gauche, voici la torsion assise. Contre le mur, le guerrier. Le panneau vous suggère de les imiter. Je m’essaie à copier le guerrier, qui ne demande pas de s’asseoir, mais c’est plus difficile qu’il n’y paraît, surtout en robe.
Par-dessus le mur, l’arbre du voisin tend ses branches, gagné lui aussi par l’envie de s’étirer. Une partie du jardin est à l’ombre, l’autre au soleil, avec vue sur le donjon médiéval en haut de la colline. Le parcours, si parcours il y a, est ponctué de bancs. Si vous préférez la méditation, vous pouvez aussi vous poser un moment et rester là à laisser les minutes couler tout doucement.
Ce n’est pas un jardin qui en rajoute, mais il a une âme, c’est indéniable. Le panneau d’accueil informe les visiteurs que l’endroit a été offert à la commune par Déborah Manetta en mémoire d’Eugène Finley qui aimait beaucoup la Roche-Guyon. C’est Déborah qui a sculpté les postures. On aurait aimé en savoir un peu plus.
La collégiale de Vernon par Robinson
Le musée de Vernon n’avait pas encore d’oeuvre de Robinson, l’une des figures majeures de la colonie impressionniste de Giverny. Cette lacune est très heureusement comblée par l’achat, en décembre dernier, de ce tableau qui montre la collégiale de Vernon vue depuis la rive droite de la Seine.
Par rapport aux autres toiles impressionnistes de la collection du musée, il est assez petit, mais il représente notre bonne cité, d’une part, et il est d’une très jolie facture du plus pur style impressionniste : touche rapide, intérêt pour le rendu des reflets, de la lumière et des effets atmosphériques, finesse des coloris… Robinson avait parfaitement assimilé la leçon de Monet, dont il était l’ami.
Comme pour souligner qu’il s’agit d’une représentation d’un aspect fugitif du paysage, Robinson a daté l’oeuvre au revers. Cette scène a été peinte le 10 août 1888. Et au vue de la lumière sur la collégiale qui éclaire la pente nord du toit de la nef, l’après-midi est bien avancée. Il n’est pas nécessaire d’être vernonnais pour savoir de quel côté le soleil va se coucher. Comme presque toujours, l’église est orientée. Sur le tableau, le sud est à gauche, le nord à droite, et l’ouest face à nous. Robinson peint presque à contre-jour.
Massif rose à la Giverny
Ce massif rose très raffiné de Giverny se trouve devant la maison à gauche, au pied de la fenêtre du premier atelier. Les fleurs cascadent des grandes aux petites, et s’arrêtent devant vos pieds en une écume mousseuse faite d’oeillet, diascia, laurentia, pétunia, héliotrope, phlox, gomphrena, cuphea, zinnia, scaevola, asarine et certainement encore bien d’autres que je n’ai pas repérées…
Le vert de la mer
4 octobre 2022 / 5 commentaires sur Le vert de la mer
Quelle audace dans cette oeuvre de Claude Monet exécutée fin 1868 sur la côte normande ! Le jeune peintre de 28 ans brosse avec fougue la sortie en mer de bateaux de pêche. La couche picturale est fine, les flots, les bateaux et le ciel esquissés à grands traits. Aucun détail superflu. La rapidité d’exécution elle-même confère à la toile une idée de mouvement, et fait penser à cette expression qui revient souvent dans la correspondance de Monet : « en hâte ». Un sentiment d’urgence anime l’artiste. Vite, il faut saisir l’instant avant qu’il ne s’échappe. Face à la brièveté de l’impression, la réponse n’est pas encore la série, mais la vitesse.
La composition révèle que Monet a regardé les estampes japonaises. Audace, encore. Où sont les lignes de fuite de la perspective classique ? L’idée de profondeur est suggérée par des plans successifs où les objets sont de plus en plus petits. Au premier plan, le bateau est poussé sur la gauche, laissant un espace vide très japonisant à sa droite. Monet y décrit l’agitation des flots par de petites touches plus sombres en virgules, où quelques rehauts de blanc évoquent l’écume des vagues. Au second plan, un bateau coupé par le cadre suggère l’idée de déplacement rapide. Tout bouge, tout est mouvement, onde, voiles gonflées de vent, nuages… La côte, seul élément fixe, est réduite à une fine ligne mauve marquant l’horizon, placé très haut à la japonaise.
Il faut une réelle virtuosité pour retranscrire un paysage avec une telle justesse, capturer son énergie, sa lumière, son atmosphère. L’oeil de Monet lui fait choisir les tons justes, cet incroyable vert opaline pour la mer – et elle peut vraiment être de cette couleur sur la côte normande – répondant au gris rosé du ciel, aux notes sombres des bateaux. Les coups de brosse vont à l’essentiel, synthèse brillante de la perception visuelle.
Mais la virtuosité de Monet, on ne la comprendra que plus tard. Dans la salle voisine du musée des Beaux-Arts de Lausanne sont présentées plusieurs belles oeuvres de Charles Gleyre, qui a été le maître de Monet. Originaire du canton de Vaud où il est né en 1806, Gleyre a enseigné la peinture à l’Ecole des beaux-arts de Paris ainsi que dans un atelier au 70 bis rue Notre-Dame des Champs où il dispensait ses cours gratuitement, les élèves ne payant que pour le loyer et les modèles. C’est là que Monet, Renoir, Sisley, Bazille se rencontrent en 1862-63.
Qu’ont-ils pu retenir de l’enseignement de Gleyre ? L’encouragement à aller peindre en plein air, peut-être. Mais sûrement pas ses exhortations à penser à l’antique lorsqu’ils dessinent des nus, c’est-à-dire à idéaliser le corps humain.
A regarder les tableaux de Gleyre, ces manifestes de l’académisme, on comprend tout le fossé qui sépare le maître du petit groupe de fortes têtes, et le temps qu’il faudra au public pour accepter d’aimer l’impressionnisme. Comment concilier deux visions de la peinture si radicalement différentes ?
Je me suis arrêtée longuement devant les oeuvres du maître vaudois, Romains passant sous le joug, portraits de personnes croquées pendant ses voyages, et devant cette superbe Sapho. Chez Gleyre, l’érotisme n’est jamais très loin. Il peut prendre diverses formes et tire parfois sur le sado-masochisme, mais cela n’est pas le cas ici. La poétesse grecque s’offre dans la perfection de sa nudité, les pieds foulant la peau d’une panthère. Dos tourné, elle place le spectateur dans la position du voyeur.
Elle a posé sa lyre, le lit est prêt à l’accueillir. Mais avant de s’allonger, elle emplit d’huile une petite lampe qu’elle va placer, je suppose, sur le porte lampe en métal qui rythme la composition de sa ligne verticale, en écho à la colonne de gauche.
On sent que chaque détail a été longuement réfléchi et calculé ; la technique est parfaite, admirable. Et en même temps, on conçoit le ras-le-bol de la jeune génération devant cette peinture-là. Les futurs impressionnistes trouvent tout simplement qu’elle n’est plus de leur temps.